Vous avez sans doute remarqué que j’étais du genre touche à tout! Je me disperse déjà pas mal entre mes différents appareils (numérique, argentique, petit-format, moyen-format,…). Comme si cela ne suffisait pas, tous les thèmes photographiques m’intéressent et en particulier le mouvement strobist qui consiste à faire des photos avec des flashs cobra déportés.

J’ai depuis deux ans des cactus V4 et des flashs lumopro LP120 achetés sur les recommandations du site http://www.strobist.com. Je ne les utilise que très peu car ces derniers mois j’ai d’avantage fait de studio ou de séance en lumière naturelle mais aussi parce que je ne suis pas complétement satisfait de la fiabilité du matériel.

Les flashs Lumopro LP 120 malgré une construction somme toute robuste présentent un talon d’Achille au niveau de la trappe de fermeture. Lorsque le flash tombe, il subit peu de dommage hormis le petit morceau de plastique qui permet de faire tenir la trappe. Pas grand chose en somme mais cela empêche de fermer correctement la trappe et si elle n’est pas comprimée, le flash déclenche moins bien. Pour le prix des flashs (plus chers que les Yangnuo chinois) on pourrait s’attendre à une meilleure qualité. Lors de quelques séances passés, ce problème a été résolut par des assistants qui tenaient la trappe fermée. Maintenant j’utilise du gaffer qui maintient assez bien la trappe surtout si on le repositionne en début de séance.

Les cactus V4 sont légers et très peu cher (environ 40€ pour le couple émetteur / récepteur et une vingtaine d’euros pour chaque récepteur supplémentaire).

L’utilisation du Lumopro et d’un cactus V4 donne néanmoins des résultats assez hasardeux et qui évoluent en cours de séance. Au fur et à mesure des  déclenchement le taux de mauvais déclenchement des flashs diminue très rapidement et devient très vite très énervant. Ile semblerait que pour que tout fonctionne les alimentations soient à leurs puissances nominales ou très proches de celles ci. L’usage de batteries amplifie ce phénomène. La fréquentation de forums à l’air de confirmer cela. En particulier, il semblerait qu’il faille des piles neuves ou en bon état pour l’émetteur  et les récepteurs. La pile de l’émetteur est relativement difficile à changer: il faut un tournevis pour défaire le capot et changer la pile qui n’est pas d’un format classique. Pour les récepteurs ce sont des piles AA classiques (petites piles batons). Pour les flashs lumopro ce sont des AAA (le format au dessus). Pour alimenter le tout j’ai acheté des batteries Eneloop Sanyo qui sont sensés tenir en charge lorsqu’on ne les utilise pas.

C’est donc avec ce matériel que j’ai refait une séance strobist avec Laurent K. Les premiers essais ont vite tournés à la catastrophe: déclenchement aléatoire voire inexistant, changement de batteries pour d’autres sans trop d’effet apparent. Heureusement un des récepteurs (le seul qui avait une pile) et un des flashs semblaient fonctionner de manière assez régulière. Cela nous a permis d’enchainer ensuite quelques photos dans un froid, qui sans atteindre les niveaux actuels, était déjà bien présent.

Voici les photos de la séance. Merci à Laurent d’avoir enduré le froid dans la période de mise au point!

Si vous êtes utilisateurs de cactus ou de pocket wizards, vos retours et conseils sur leur utilisation sont les bienvenus.

Les thèmes liés aux rapports parents-enfants, paternités, maternités, disparition d’enfants ou apparition, résonnent très fort en mois. Une analyse a deux sous y verra sans doute le trauma du père divorcé, de la culpabilité de ne pas donner autant que souhaité ou de ne pas être à la hauteur. Il y a sans doute de cela. Avec Laurent, j’ai pu explorer une partie de ces idées. La séance était basée sur la disparition ou l’absence. Comment faire transparaitre cette émotion. La séance a été très riche en émotions, et à en croire les retours sur nos profils Facebook, ne laisse pas indifférent.

Lors de cette séance, j’ai eu l’occasion de travailler en numérique mais également en argentique avec un Fuji GW690 II (moyen-format 6*9). J’avais délaissé cet appareil depuis quelques mois. Les deux rendus sont assez différents et me plaisent beaucoup. L’objectif de la séance a été pleinement rempli. J’ai malgré tout un petit coup de cœur pour les photos en noir et blanc. Peut-être à cause du processus : mesure de la lumière à la cellule, prise de vue, développement chimique et traitement informatique.

Et vous qu’en pensez vous?

Les photos en numérique:

 Les photos en argentique:

La photographie remplit diverses fonctions et parmi celles qui me plaisent le plus, on trouve la rencontre et le partage avec d’autres. Ce sont des moments rares. La « battle » avec Philippe et les discussions – repas qui suivirent, font partie de ceux là. Parmi les rencontres récentes et productives tant en émotions qu’en photos de qualité, la rencontre avec Laurent Kawecki est à signaler. Laurent a répondu présent à une de mes recherches de modèles pour mes séances du mercredi et nous nous sommes retrouvés en bord de Saône en compagnie de Maxym un de ces amis.

Nous avons commencé la séance par deux portraits destinés à compléter mes séries encours au 50mm et au Rolleiflex.

Laurent au 50mm

Laurent au Rolleiflex

Nous avons ensuite continué sur une séance orienté portrait avec des inspirations très cinématographiques, John Steed, James Bond, Mary Poppins. Laurent s’est prêté avec grâce aux différentes demandes et à fait preuve d’un enthousiasme à toute épreuve.

Quel plaisir de shooter dans ces conditions! voici une sélection de photos de la séance, avant de passer à la partie deux consacré à un thème plus personnel.

Je vous avais précédemment parlé de la rencontre photographique avec Philippe Guilloud qui a eu lieu il y a … bien longtemps déjà! et qui vous avait intéressé.

Lors de cette rencontre j’ai eu l’occasion de photographier Philippe et il en a fait de même, chacun dans nos styles et suivant notre inspiration. Le lieu quant à lui a été trouvé par Philippe , particularité qui lui est propre et en fait la signature!

C’était la première fois (et la seule pour le moment ) où je me retrouvais devant l’objectif d’un photographe pour une séance. C’est un exercice extrêmement intéressant à plusieurs titre. Tout d’abord, cela permet de se mettre dans la peau d’un modèle et de cerner les difficultés éventuels de poser sous le regard d’un autre.  Que ce soit dans l’attente des idées de l’autre, dans le dépassement de soi pour prendre des poses qu’on ne ferait pas ou n’oserait pas en temps normal, pour jouer une comédie. Ensuite, c’est intéressant de voir une séance faite par un autre en étant acteur de cette séance et pas seulement spectateur, la manière dont les idées viennent, de parler au modèle, d’expliquer une idée, d’appréhender son matériel.

Cet exercice mes semble formateur et si d’autres photographes veulent se prêter au jeu qu’ils me fassent signe!

Voici les photos! Dites moi dans les commentaires celle que vous préférez et ce que vous pensez de ce genre de rencontre photographique!

Ma préférée est celle qui sert d’illustration de couverture;

Avec l’interview de Hugo, membre de MF Passion le forum dédié au moyen-format, j’inaugure une nouvelle rubrique pour partager  avec d’autres  nos passions, coups de cœurs et approches photographiques.

Denis: Bonjour Hugo,  parmi tes nombreuses activités photographiques, tu es membre du forum MF Passion, sur lequel tu as publié une série sur la transhumance. Une des photos de cette série a été choisie photo du mois, ce qui te vaut de passer sur le grill de mes questions. Peux tu te présenter aux lecteurs?

 Hugo: J’ai 22 ans, j’habite Toulouse pour quelques semaines encore puisque je m’apprête à déménager pour Berne en Suisse où je débuterai un doctorat en botanique. Ma principale passion, qui est pour moi un moyen de création nécessaire, un exutoire, est la photographie.

Denis: Depuis quand photographies tu? comment es tu venu à la photographie? Comment est née ta passion? quelles sont les étapes essentielles de ta progression?

 Hugo:  J’ai commencé la photo à l’âge de 15 ans en empruntant le compact numérique de mon frère. C’était une époque difficile pour moi, et la photographie s’est imposée comme un moyen d’évacuer, d’exprimer mes sentiments. Par la suite j’ai pris beaucoup de plaisir à travailler des photos macro de végétaux principalement, retoucher les couleurs, les contrastes. Comme beaucoup de photographes débutant, j’étais fasciné par les flous d’arrière plan, ce qui m’a permis de me pencher sur les bases de la technique photo : ouverture, vitesse, sensibilité. J’ai toujours cherché à prendre peu de photos, mais que ces photos me plaisent : cette approche m’a permis de découvrir le monde autrement, d’apprendre à regarder vraiment ce qui m’entoure.

Denis: Où peut on voir ton travail?

Hugo: Pour le moment, on peut voir une petite partie de mon travail sur des forums de photographie argentique et sur un blog (http://hugovincent.tumblr.com), en attendant un vrai site ! Je ne suis pas pressé, le blog me permet de partager certaines images, j’attends d’avoir plus de projets cohérents et satisfaisants pour créer un site .. J’ai encore beaucoup à apprendre !

Denis: Quelle est ta culture photographique, les gens que tu aimes (célèbres ou pas)?

En fait je ne retiens pas vraiment les noms, dès qu’on me pose cette question tout s’envole ! Et ce sont souvent des photographes méconnus qui attirent mon regard, plus que des légendes de la photo. J’éprouve une fascination pour la photo de guerre, je pourrais donc citer Mc Cullin qui est une référence en la matière. Je suis particulièrement attiré par le portrait, la photo de rue, j’aime aussi les compositions épurées de la photographie moderne. Allez quelques noms : connu, David Burnett, j’adore ses photos à l’Aero Ektar et au Holga. Beaucoup moins connus, Ivan Constantin et ses superbes photos de rues ; Thomas Krauss, des portraits à couper le souffle ; Steven Monteau, des expérimentations photographiques déjantées ; et beaucoup d’autres ! Pour avoir un aperçu des photographes que j’apprécie, allez faire un tour sur le site http://www.clikclk.fr auquel je participe.

Denis: Tu as eu une période numérique puis tu es passé progressivement à l’argentique au point de ne faire plus que cela. Pourquoi? quel est ton rapport au média (numérique, argentique) et aux appareils?

Hugo:  J’ai donc commencé à il y a 7 ans en numérique, pourtant j’ai l’impression d’avoir vraiment découvert la photographie il y 3 ou 4 ans quand j’ai mis les mains sur des boitiers argentiques. Cela a commencé avec un Holga, appareil sans réglages au rendu aléatoire, qui m’a permis de redécouvrir le plaisir de l’attente, de la réflexion dans la composition. Rapidement, j’ai voulu maîtriser mes photos d’un point de vue technique, et je me suis tourné vers des appareils manuels, ce qui a été une redécouverte totale de la photo. En plus du plaisir de l’attente, il y a le coût. Pour moi, l’argentique est devenu synonyme de photo unique, je ne double pas mes images, alors je prends tout mon temps et ça m’apporte beaucoup plus de plaisir comme ça. Le rendu des images est aussi beaucoup plus beau à mes yeux : je suis lassé des photos numériques lisses et parfaites, avec un rendu des détails époustouflant. J’aime le grain, le rendu argentique, qui sera présent même sur un film professionnel moyen ou grand format.

Denis: Tu travailles beaucoup avec l’instantané (Polaroid 600SE): qu’apportes cette approche par rapport au négatif

Hugo:   Effectivement, je suis tombé dans la marmite de l’instantané et j’espère ne pouvoir jamais en sortir ! J’utilise presque exclusivement le format « pack 100″ qui offre une grande surface sensible, donc un rendu des détails et une profondeur de champ qui s’approchent du 4×5″. J’ai laissé le 600SE, un brin encombrant, pour un folding professionnel, le Polaroid 180. Je disais que j’aimais dans l’argentique l’attente entre le déclenchement et la vision de la photo, paradoxalement, ce que j’aime dans l’instantané c’est bien sûr le fait d’avoir le tirage dans les mains immédiatement .. C’est ce qui m’a fait réaliser que le tirage d’une photo est vraiment capital, c’est là qu’elle prend vie. J’utilise de nombreux films différents, du 669 au Chocolate, pour des rendus originaux ou aléatoires, en passant par les excellents films n&b et couleur produits par Fuji quand je veux une photo « propre ». Le coût est beaucoup plus important qu’avec du négatif, en ce qui me concerne il faut compter entre 1€ et 2,5€ la photo, donc je prends plus mon temps : la plupart du temps, je reviens plusieurs fois au même endroit avant de me décider à prendre la photo. Lorsque je fais des portraits, de la photo de rue, le Polaroid permet aussi de faciliter le contact avec les sujets, d’aborder la conversation. Avec le Polaroid, loin des dernières nouveautés technologiques, les gens retrouvent la magie de la photo, une photo qui est vraiment unique avec l’instantané.

Denis: Qu’apprécies tu dans le moyen format et comment le situes tu par rapport au petit format?

 Hugo: J’aime avant tout la lenteur imposée par ce format, et la qualité des images produites. J’ai vendus tous mes boitiers 135 pour me consacrer au moyen format. Je trouve le ratio 24×36 trop allongé, et avec un scanner de milieu de gamme je n’arrivais pas à obtenir toute la beauté des négatifs. Le modelé et la profondeur de champs offerts par le moyen format ont été un vrai coup de cœur, et j’ai maintenant du mal à apprécier les photos que je fais en dessous du 6×4,5 ! J’aime beaucoup ce « petit format du moyen format » et je ne comprends pas ceux qui le critiquent tant. Pour moi, on y gagne en rapidité, le ratio est presque idéal (à mon goût bien sûr), à 1.9 ou même 2.8 le flou d’arrière plan très beau .. et que dire de la qualité des négatifs avec des optiques Mamiya ! Cela dit, je pense revenir bientôt au 135 avec un télémétrique Bessa R2a, plus efficace et discret en photo de rue et reportage.

Denis: Tu es visiblement, comme nombreux d’entre nous, un fan de vieux matériel. peux tu nous en dire plus sur ceux que tu as et ceux que tu aimes utiliser?

 Hugo: Je ne sais pas si je suis un fan de vieux matériel, disons que je suis un fan de photo argentique et instantanée, et que par conséquent je suis obligé d’utiliser du vieux matériel ! Mais après un grand nombre de mésaventures, je préfère acheter des appareils plus modernes (années 80/90), neufs ou presque neufs, plutôt que des beaux appareils plus anciens. Amoureux du « tout manuel », je n’aime pas trop les boitiers embarquant de l’électronique.
Pour le moment je possède en MF un Mamiya 645 Pro, avec un 80/1.9 et un 55/2.8 ; du côté de l’instantané, mon appareil principal est un folding Polaroid 180. J’utilise pour des occasion plus ludiques un Fuji Instax Wide 210. J’ai un SX70, qui attend sagement qu’ Imposible Project développe des films dignes de lui.
Mon budget étant assez serré, donc je ne me perds pas dans la collection d’appareils, mais la tentation est grande ! Le grand format m’attire, tout particulièrement les chambres de reportage comme les Crown Graphic ou autres Linhof Technika.

Denis: Pour en revenir sur la série sur la transhumance. Depuis quand travailles tu en série? Qu’est ce qui a motivé cette série?

 Hugo: J’ai commencé à raisonner en terme de série lorsque lors de mes échanges sur les forums de photographie. J’ai l’impression que dans le monde de la photo, on a beaucoup moins de visibilité, et de crédibilité, quand on propose des photos indépendantes, qu’un série cohérente. Je ne comprends pas trop pourquoi, mais c’est ce que je constate. De la même manière, les photographes « à succès » sont ceux qui ont un style bien défini, au risque de se répéter .. mais ça marche, pourtant ! Pour ma part, je préfère expérimenter dans des directions très différentes ! Je me suis donc mis aux séries avec le sentiment que « c’est ce qu’il fallait faire », et puis j’y ai pris goût. Je continue à faire des photos sans lien avec le reste de mon travail, mais le raisonnement en série est assez motivant, il s’agit de donner une cohésion, tant au niveau technique que dans l’esprit des images.

Denis: La gestion du récit photographique est particulièrement efficace sur cette série. Tant techniquement (lumières, cadrages, profondeur de champs, …) que dans la variation des situations et dans le récit. Comment en es tu venu à faire du photo reportage? Comment as tu pris contact pour cette série?

Hugo: Dans le cas des photos sur la transhumance en Ardèche, je souhaitais faire un reportage, donc la série s’impose.
Le reportage m’a toujours attiré, je suis un fan inconditionnel de la photographie de guerre et du photojournalisme en général .. mais n’ayant ni carte de presse, ni billet pour des zones de conflit, il faut bien commencer par quelque chose de plus accessible ! Ma participation à la transhumance était prévue avant que vienne l’idée du reportage, donc je n’ai pas eu à prendre un contact particulier, j’ai juste pris mon appareil photo avec moi.

Denis: As tu d’autres travaux de ce type en cours?

Hugo: Pour le moment, je suis en pause photographique, malheureusement, le temps de m’installer à Berne. Une fois là-bas, j’aimerais bien recommencer à travailler avec des gens issus du monde de la musique .. et d’autres idées germeront toutes seules.

Denis: Quels conseils peux tu donner à ceux qui aimeraient faire pareil?

Hugo: Je ne sais pas ce que mes conseils valent, puisque c’était une première pour moi, mais pour ceux qui veulent se lancer dans une série de ce type, je dirai qu’il faut avant tout respecter les sujets, ne pas s’imposer. Il vaut mieux bien connaître son matériel, car dans un travail comme celui là où tout va très vite, rien ne reste en place, il faut pouvoir donner le plus de temps possible à l’observation et la composition. Pour une photo, je voulais me positionner à la sortie d’un tunnel, j’ai du changer de film (ceux qui ont un Mamiya 645 Pro savent que ce n’est pas aussi facile que sur d’autres appareils) en courant, dans l’obscurité complète ! J’aurais pu m’y prendre à l’avance, ce qui aurait permis une meilleure photo. Sinon, pas de conseils particuliers .. rester aux aguets, laisser aller l’instinct : à mon avis un photographe sait capter le bon instant, la bonne lumière, il « suffit » d’être présent et prêt à déclenche à ce moment, c’est là le plus difficile !

Denis: Développes tu toi même tes photos? comment procèdes tu? quels produits utilises tu? Fais tu du post traitement numérique? du tirage? Quelle diffusion donnes tu à tes photos (forums/blog/emagazines/papiers/expos….)

Hugo:  A mon grand dam je ne me suis jamais mis au développement ni au tirage ! J’ai toujours trouvé des excuses pour retarder le moment, et aujourd’hui je dis encore une fois « dès que je suis installé, je m’y mets ! » Je confie mes films à un labo pro à Toulouse pour l’instant, par la suite je compte donc faire mon développement à la maison, n&b comme couleur. Je numérise mes négatifs avec un Epson 4490, qui me convient pour le moyen format mais n’est pas à la hauteur pour du petit format. Après scan, je travaille légèrement mes images sous Gimp, pour retrouver les couleurs « vraies » ou des contrastes qui me plaisent, mais ça reste limité.
En terme de diffusion, j’ai donc un blog, temporaire (http://hugovincent.tumblr.com), et un site à venir. Je partage sur quelques forums pour avoir des critiques sur mes images. Je n’ai jamais participé à des concours ou des expositions, j’attends d’être plus satisfait de mon travail pour ça !

Encore une fois merci pour cette sélection, bonne continuation & bonnes photos

Beaucoup d’entre vous connaissent Philippe Guilloud, talentueux photographe de la région Lyonnaise dont la pratique festive de la photographie se caractérise par des trouvailles de lieux : des plus fameux aux plus improbables.

Philippe n’est cependant pas qu’un photographe et passe parfois aussi de l’autre coté de l’objectif, et c’est dans le but de nous prendre mutuellement en photo que nous nous sommes rencontrés dans un de ces lieux dont il a le secret.

J’étais venus avec toute une batterie d’appareils, GX20+50 takumar, K5+50-135 et mon Yashica Mat 124G. Nous avons alors improvisé une séance à tour de roles photographe ou modèle.

Voici mes photos!

Les numériques d’abord puis celles au Yashica

Photos prises au Yashica Mat 124 G

Sans doute avez vous déjà eu l’occasion de lire ou d’entendre un certain nombre d’affirmations, en général assénées d’un ton péremptoire sur la manière de pratiquer la photographie et sur ce qu’était la photographie. Aujourd’hui, nous reviendrons sur deux citations très fréquemment utilisées:
- le matériel ne fait rien à la photo,
- je ne retouche jamais mes photos.

Le matériel ne fait rien à mes photos

Il n’est pas un jour sans lire ce genre de phrase. Il faut dire que cela va souvent en réponse à la question tout aussi stupide de « tes photos sont belles, quel est ton matériel? », qui sous entendent que seul le matériel est à l’origine de la réussite de la photo examinée.

Nier l’importance du matériel, c’est mettre au placard tous les progrès techniques qui ont été réalisés depuis l’invention de la photographie. Qui oserait affirmer qu’il pourrait faire tout son travail à la chambre sur plaque au collodion humide? Pourtant les images obtenues sont parait il très détaillées et il a fallu extrêmement longtemps pour dépasser (est ce réellement le cas sur les très grandes plaques?) en qualité ce qui a été fait par le passé? En niant l’importance du matériel on nie l’apport qu’a apporté celui-ci tant en terme de rendu (couleur, agrandissements, souplesse d’utilisation, …) qu’en terme de démocratisation (kodak brownie, polaroid, 35mm, …). L’appareil a donc une importance majeure dans la prise de vue. Sans lui l’image ne serait pas prise.  Et même si Henri Cartier Bresson (HCB) on  peut s’amuser et se réjouir des photos virtuelles qu’on peut prendre lors de nos ballades, la motivation de la plupart des photographes est de partager sa vision. Même le puriste qu’était HCB, préconisait l’emploi d’un télémétrique et d’un 50 mm pour faire de la photo. Doisneau appréciait les Rolleiflex qui imposaient de se courber devant le sujet dans un hommage qui n’avait rien d’agressif par rapport à la visée reflex. Là encore le choix d’un appareil influe partiellement sur la prise de vue et sur le rapport au sujet. Même si cela n’est pas une condition nécessaire. Un certain nombre de phtoos peuvent être pris avec des marques d’appareils très différents et des qualités et prix eux aussi très différent. En celà, l’affirmation est juste. Il n’est nul besoin de  posséder un appareil luxueux pour faire de belles photos. Certains font de belles œuvres avec un holga ou autre vieil appareil bon marché, alors que d’autres pondent d’horribles « chefs d’oeuvres » avec un leica M9 et un noctilux! Le matériel n’est pas suffisant pour être un bon photographe. Il n’est parfois même pas nécessaire! Néanmoins son rôle est primordial et c’est la maitrise de son matériel associée, aux possibilités qu’il offre et ainsi que la volonté de l’auteur qui font la photo.

HCB aurait difficilement fait ces instantanés à la chambre, Vandystadt ses photos de sport au compacts numériques premières générations et pendant longtemps de nombreux grands tirages n’auraient pas pu exister sans les appareils grands formats.

Quant à nous pauvres amateurs, peu d’entre nous auraient pu devenir des photographes passionnés, amateurs, voire même professionnels sans la démocratisation du numérique…

Néanmoins, au delà d’un certain niveau, la créativité est l’élément essentiel et alors, l’auteur utilise ce qu’il a de disponible pour exprimer sa vision, en fonction de ce qui existe techniquement mais aussi de ce qu’il peut s’offrir ou du rendu qu’il veut obtenir. Le « regard » impose le choix du matériel  et ne le subit plus. La question est donc beaucoup plus complexe que ce qu’il n’y parait et très souvent on confond marque et matériel. La marque a souvent peu à voir (hormis le fait que certaines ont des résultats qualitatifs excellents et récurrents alors que pour d’autres c’est plus hasardeux) mais le choix d’une optique est souvent essentiel. La marque n’est rien mais l’adéquation du matériel à un travail est essentiel.

Je ne retouche jamais mes photos

Sans aller jusqu’à affirmer comme certains qu’une photos non post traitée n’est pas une photo, ne pas retoucher ses photos n’est pas un gage de qualité de la photo ni qu »elle ne pourrait pas être meilleure avec un post traitement retouche.

J’ai moi même longtemps pensé cela. D’une part, je croyais que l’instant de la prise de vue était le plus important et que le reste n’était que de la technique d’informaticiens qui cherchaient à en mettre plein les yeux et d’autre part je ne maitrisais pas du tout toutes les techniques de post traitement et de retouche d’image.

Je n’y connais toujours pas grand chose mais je vois maintenant l’utilité de chacune et je regrette maintenant mon manque de compétence dans ce domaine, tant du point  de vue technique (comment faire) que du point de vue créatif (quoi faire).

L’argument principal de ceux qui ne veulent pas  retoucher leurs photos est qu’au bon vieux temps de l’argentique (mais non messieurs il n’est pas mort ce temps!), on ne se préoccupait pas de post traitement et de retouches. Or c’est là méconnaitre le travail des grands photographes et l’histoire de la photographie.

Considérons le travail d’un des plus prolixes,  en terme d’œuvres mais aussi d’ouvrages sur la photographie: Ansel Adams. Conformément à sa trilogie la plus célèbre, une photographie, c’est une caméra (the camera), un négatif (the negative), une épreuve (the print). Chacun de ces éléments participe à la création de l’image et le photographe possède des leviers d’action pour modifier le rendu de son image.

Pour Ansel Adams, le négatif est une partition et le tirage en est l’interprétation. Le négatif est un matériel brut. Du fait même de sa forme (image inversée), on se doute bien qu’il faut agir pour obtenir une image et faire quelques réglages. Suivant les réglages lors du tirage, le papier, l’optique de l’agrandisseur, on obtient des images différentes. Ces choix techniques constituent déjà une interprétation de l’image. Certes relativement basique et limitée mais néanmoins interprétation, sans compter le choix du film avant la prise de vue. L’équivalent numérique est le raw avec comme particularité que maintenant on peut choisir le rendu a posteriori soit avec des réglages issus de l’appareil (les différents modes), soit en appliquant des réglages dans un logiciel de développement (Camera Raw, DXO, silkypix, …). On peut certes se contenter du rendu d’un appareil en mode jpeg. C’est alors quand même un choix d’interprétation similaire au choix d’un film diapo en argentique (prendre un film velvia ou provia donne lieu à deux interprétations colorimétriques très différentes).

On peut aussi en argentique  effectuer un travail plus en profondeur: masquages, éclaircir une ombre, faire monter un ciel, … On voit là qu’on a réellement affaire à une interprétation de l’image qui peut parfois s’éloigner sensiblement de l’image telle qu’elle a été vue. Les trucages photos sont aussi vieux que la photo, que ceux ci soient après la prise de vue (retouche du négatif comme dans la fameuse photo du Reichstag) ou lors de la prise  de vue comme le fameux premier autoportrait (faux suicide). Opposer argentique et numérique n’a donc aucun sens c’est plutôt une affaire  de choix et de démarche personnelle.

Alors peut on , doit on s’arrêter à la prise de vue et / ou continuer en post traitant ou retouchant. L’affaire n’est pas aussi simple. Comme pour le choix des appareils, on peut très bien vivre avec la contrainte de ne pas post traiter. La créativité se jouer alors sur la prise de vue et pour progresser il faudra progresser dans son coup d’œil, dans sa gestion de la lumière, dans sa créativité de mise en scène. rien que ces quelques champs offrent des possibilités quasi infinis et très stimulante on peut donc se contenter de cela. Et il est également possible voire même probable que de belles images ne nécessiteraient qu’un faible post-traitement et peu ou pas de retouches. Néanmoins, se priver de cette possibilité, c’est limiter sa palette de créativité. Il ne faut surtout pas croire que post traitement et retouches dénaturent automatiquement votre photo et la rendent moins vraie. Les retouches peuvent être quasi invisibles (au moins pour le non initié) ou apporter à l’interprétation de l’image.

Si de surcroit, vous aimez le noir et blanc et souhaitez vous frotter à cet exercice, vous ne pourrez de toute façon pas échapper à l’exercice de l’interprétation, ne serait ce  qu’en choisissant le preset qui  correspond le mieux à vos gouts.

Autrefois, beaucoup de photographes faisaient appel à un (bon) tireur pour mettre sur papier leurs images, si bien qu’on peut avoir l’impression qu’ils sen foutaient mais malgré tout, cela n’était pas le cas. Avec le numérique, nous avons d’avantage de contrôle sur la chaine et sommes souvent confrontés nous mêmes à notre image et à la manière de la traiter. L’image brute, le raw, est la photo et la vis ualisation est déjà une interprétation. Deux dérawtiseurs pourront donner deux images différentes et c’est la dessus qu’il faut faire attention. Ne pas maitriser la chaine s’est s’exposer à avoir des rendus très différents lors d’un changement d’appareils (surtout si ils sont de marques différentes), maitriser le post traitement c’est a minima s’assurer une homogénéité de rendu et au mieux améliorer fortement l’impact de son image. Sans aller jusqu’à effectuer des post traitements profonds de vos images gardez le contrôle sur elles, et faites un choix assumé du rendu et non plus subi! Et dans tous les cas, otez vous de l’esprit, qu’une bonne photo est une photo non retouchée!

Que faut il en conclure?

Tout d’abord qu’il faut éviter de faire de grandes affirmations qui auraient tendances à laisser croire que sa pratique est la meilleure. Le champ des possibilités est tel, que d’autres peuvent avoir des pratiques très différentes et néanmoins intéressantes.

La clef est de se poser la question sur les raisons qui nous font prendre une photo et de jusqu’où on est prêt à aller pour obtenir une photo?

Il existe également des sites proposant des images, soient issues de la presse, soient proposées par des photographes du monde entier. Je n’utilise que très peu ces applications, essentiellement par manque de temps, passant déjà beaucoup de temps sur Flickr et sur les blogs auxquels je suis abonné.

Parmi les applications que j’ai installé:

• 500px view: le site 500px sélectionne les photographies proposés par les abonnés avant de les publier. Il existe d’autres sites comme 1x.com qui pratiquent des sélections sévères des photographies. L’avantage, vous voyez le meilleur. Cela peut être particulièrement intéressant pour trouver de l’inspiration et travailler sa technique, mais également pour découvrir des phtoographes et suivre par la suite leurs travaux sur leurs sites personnels. Le niveau est toutefois très élevé et cela peut décourager les débutant!
• LFI: Leica fotografie international. Les photos sont classés par appareils Leica: X1, M8, M9, S2. De quoi voir ce que ces appareils ont dans le ventre. Toutefois, je préfère nettement la visite du forum Summilux: http://www.summilux.net
• Eyewitness: site de photographies du Guardian. CE site est plutot sympathique car il présente quotidiennement une photo publiée par le journal avec  la légende du photographe et un (petit) commentaire technique sur comment réaliser une telle image. Le flux d’information n’est pas très important et la consultation peut donc se faire chaque jour sans trop prendre de temps!
• LIFE: une sélection de reportages photographiques du célèbre magazine A consulter de temps en temps. LEs reportages sont de qualités mais la abse  accessible est limité à une sélection du journal.  A voir si cette sélection évolue avec le temps?
• Gamma-Rapho: L’application de la fameuse agence française. DEs portfolios très intéressants à consulter gratuitement mais en nombre limité. Je n’ai aps très bien compris si on pouvait choisir d’autres portfolio que ceux qui sont propsoés , si ils changeaient avec le temps… A suivre.
• Getty Images: site de l’agence photo. PAs mal de photos d’actualité. PAs vraiment intéressant car trop axé journalisme d’actualité (et en plus les photos sont compressées avec perte!)
• Indicommons: visite de galeries photos de plusieurs musées internationaux avec en particulier un fond patrimonial ancien. Pour les amateurs du genre.

Aujourd’hui un très court article sur les applications qui permettent d’en apprendre d’avantage sur la photographie.  Ce n’est pas le domaine que je connais le mieux car je préfère encore utiliser les bons vieux Google et Youtube quand je cherche quelque chose de précis. Certains trouveront toutefois de quoi les intéresser dans les applications suivantes.

• Nikon L&E: tutoriaux fournis par nikon mais qui peuvent s’appliquer à bien d’autres appareils.
• Declencheur: le fameux podcast sur votre iPhone, iPad. En ce moment je suis plutôt le fil RSS écrit que la version audio mais c’est un incontournable pour les passionnés de photo.
• Adobe talk: un blog sur photoshop tenu par A.J.Wood qui a aussi son propre site internet. très agréable à suivre.
• Photoshop tips: une présentation de trucs et astuces sous forme de petites fiches. Basique mais intéressant à consulter quand on débute ou pour réviser ses connaissances.
• Photoshop: des sélections de tutoriaux youtube